История мировой культуры - Капица Федор Сергеевич - Страница 76

С другой стороны, круг, разделенный на восемь частей, символизирует женское начало, а изображение в центре – мужское начало. Таким образом, это изображение представляет собой один из древнейших вариантов символа плодородия. Этим и обусловлена широкая распространенность мандалы в монгольском и китайском искусстве.

МАНЕРА – характер или способ исполнения художественного произведения, свойственный определенному мастеру, стилю или направлению.

В истории искусства термином манера также обозначаются иногда общие свойства исполнения, характерные для художника или художественной школы в определенный период творческой истории, например, «поздняя манера Тициана». Следовательно, применительно к художественной культуре манеру можно считать синонимом слова стиль. Она характеризуется рядом устойчивых признаков, повторяющихся от произведения к произведению независимо от конкретного сюжета или предмета изображения. Например, особенностью творческой манеры Ф. Малявина можно считать мастерскую работу с оттенками красного цвета, а для манеры В. Е. Маковского – с коричневыми тонами.

Творческая манера – понятие, применимое практически ко всем отраслям художественной культуры. Иногда, например в музыке, она мало меняется на протяжении творчества композитора, что становится его своеобразной визитной карточкой. Например, для музыки К. Дебюсси характерно плавное течение без резких ритмов, а сочинения Д. Шостаковича, напротив, построены на тончайших ритмических нюансах и переходах.

МАНЬЕРИЗМ (итал. manierismo, от maniera – манера, стиль) – направление в западноевропейском искусстве XVI века, отразившее кризис гуманистической культуры Возрождения. Внешне следуя мастерам Высокого Возрождения, маньеристы (в Италии живописцы Я. Понтормо, Пармиджанино, А. Бронзино, скульпторы Б. Челлини, Джамболонья) утверждали представление о неустойчивости мира, о власти иррациональных сил над человеком, шаткости человеческой судьбы.

Произведения маньеристов отличаются усложненностью, напряженностью образов, изощренностью форм. Фигуры на портретах приобретают удлиненную форму, художники часто прибегают к резким светотеневым переходам и цветовым диссонансам. Портретируемый находится в состоянии внутреннего напряжения.

Эти же черты видны и в архитектуре. Постройки приобретают излишнюю, даже гротескную орнаментированность, в которой множество символов, аллегорий. В известном смысле маньеризм представляет собой переходный этап от ренессансной четкости и ясности силуэта к принципам барокко, основанным на разрушении геометрически четких форм.

Маньеризм нашел отражение не только в изобразительных искусствах и архитектуре, но и в литературе (например, в испанской поэзии). Он оказал известное влияние на формирование искусства и эстетики барокко.

МАРИНА (итал. marina, от лат. marinus – морской) – произведение пейзажной живописи или графики, посвященное изображению моря.

Как самостоятельный вид живописи марина сформировалась в Голландии в середине XVII века. Тогда появилась группа художников – Я. Порселлис, Сде Флигер, Х. Сегерс, В. ван дер Вельде, – посвятивших свое творчество изображению морской стихии. Обусловлено это было популярностью картин на темы морских сражений, поскольку только что закончилась война за независимость Голландии.

Художники-маринисты ушли от простой иллюстративности и начали писать не только сражения, но и борьбу людей со стихией. Именно противостояние моря и человека становится основной темой европейской маринистики. Среди крупнейших художников-маринистов необходимо назвать английского живописца У. Тёрнера. Он впервые стал передавать всю гамму состояний моря – от спокойного до разбушевавшегося. В России этот жанр получает распространение в первой трети XIX века и связан с творчеством И. К. Айвазовского и А. П. Боголюбова. Картины Айвазовского, где изображены бури, корабли, борющиеся с волнами, отличаются точной передачей игры цвета морской воды, эмоциональной приподнятостью, характерной для романтического видения мира.

В русском искусстве XX века морская тема представлена не так широко. Наиболее крупные произведения созданы латышским художником Э. Калнынем.

МАРШ – едва ли не самая узнаваемая из всех музыкальных форм. И это не случайно. Марш появился так давно, что кажется, будто он существовал всегда. Но это, конечно, не так. Как и другие виды ритмической музыки, марш возник для облегчения совместного передвижения многих людей. Каждый знает, насколько легче работать под ритмичную музыку. Настолько же легче и долгая ходьба под ритмичные звуки. Первоначально для координации шагов использовались барабаны. Лишь с течением времени к ним добавилось музыкальное сопровождение. Поскольку ходьба всегда имеет четный ритм, то и ритм марша всегда четный – 2/4 или 4/4.

Так как массовые шествия организуются по разным поводам, сложились и разные типы маршей – походные, строевые, встречные, а также торжественные и похоронные. Наконец, есть и церемониальные марши, а также марши людей разных профессий. Один из них – «Марш марсельцев», сочиненный офицером французской армии Руже де Лиллем, – под названием «Марсельеза» стал даже государственным гимном Франции.

Марш занимает настолько большое место в жизни человека, что его интонации стали символами определенных жизненных ситуаций – радости, скорби. Они вошли и в классическую, и в песенную, и в легкую музыку. Однако марш всегда легко узнается и воздействует на свое окружение.

Он занимает большое место и в истории музыки. Марши писали и как самостоятельные пьесы (например, В. А. Моцарт, Ф. Шуберт, Ф. Мендельсон), и вводили в состав более крупных произведений – опер, балетов, сонат, сюит.

МАСКИ

Происхождение масок скрыто в такой глубокой древности, что трудно установить точное время их появления в человеческой культуре. Однако исследователи считают, что первые маски появились еще в период неолита.

Еще в конце второго тысячелетия до н. э. участники культовых обрядов, стремясь представить себя различными божествами или злыми духами, надевали маски с изображением голов животных или человеческих лиц. Появление театральных масок связано с культом Диониса. В культе умерших предков значительную роль играли специальные маски, надеваемые на лицо покойника (погребальные маски на египетских мумиях). В античную эпоху широко использовали маски с изображением страшных мифологических существ (головы Горгоны Медузы), якобы обладающие магической силой (отвращающие беду). Позднее охранительные маски применялись для украшения зданий или гробниц.

Следы ритуальных масок сохранились до наших дней в традиционном театре ряда стран Востока, например в Японии. Там не только широко применяются маски, но и сохранился так называемый маскообразный грим, который перед представлением наносится на лицо актера и полностью изменяет его внешний вид.

Кстати, далеко не всегда маска надевается именно на лицо: в традиционном театре Индонезии исполнитель держит маску в руках, а в ритуальных представлениях эскимосов – надевает на пальцы.

В театре разных народов применяются не только индивидуальные, но и парные и даже коллективные маски. Так, число исполнителей, скрывавшихся за маской дракона, в традиционном театре Китая иногда доходило до десяти.

В европейскую культуру маски пришли из античного театра. Там они надевались на голову вместе с париком и закрывали исполнителя подобно шлему. Для усиления звука маска имела рупор-резонатор, через который говорил исполнитель. Количество масок в античном театре было невелико, всего три или четыре, и все они имели свое предназначение в соответствии с теми человеческими качествами, которые изображали персонажи.

В XII–XIII веках маски широко применялись в средневековом театре, что привело к появлению своеобразного жанра – комедии масок.