История мировой культуры - Капица Федор Сергеевич - Страница 120

Отсюда и возникло представление о салонном искусстве (салонной живописи), которая существовала как бы параллельно высокому реалистическому искусству. Формирование этого направления началось еще в годы Июльской монархии и пережило расцвет в период Второй империи. Проблематика картин ограничивалась историческими, батальными, мифологическими и библейскими сюжетами, причем двум первым отдавалось предпочтение. Однако сами картины отличались высоким профессионализмом.

Постепенно из стен Лувра ежегодная выставка переместилась в Большой дворец Елисейских полей. В 1863 году, когда ряд художников не прошли строгий отбор, Наполеон III разрешил открыть «Салон отверженных». Среди отверженных оказываются Мане, Латур, Писсарро. Однако ни официальная критика, ни публика не были готовы к появлению нового течения, поэтому вновь салон в таком виде не был возобновлен.

На следующий год салон организуется Обществом французских художников, и этот год становится годом рождения выставок импрессионистов, которые продолжаются до 1881 года. К концу XIX века, когда салоны перестают быть государственным мероприятием, под этим названием во Франции проводятся и другие крупные периодические выставки – Осенний салон, Салон независимых, отражающие разнообразные течения в живописи.

Так из простой выставки салон превращается в важное явление культурной жизни страны, отражающее поиски различных художественных течений и школ.

САНГИНА (франц. sanguine, от лат. sanguis – кровь) – материал для рисования, изготовляемый преимущественно в виде палочек из каолина и окислов железа.

Цветовая гамма сангины колеблется от коричневого до близкого к красному. С ее помощью хорошо передаются тона обнаженного человеческого тела, поэтому выполненные сангиной портреты выглядят очень естественно. Во время работы сангину можно смачивать и тем самым разнообразить толщину и плотность штриха, а неудачные линии легко удалять.

Техника рисунка с натуры с помощью сангины известна начиная с эпохи Возрождения (Леонардо да Винчи, Рафаэль). В это время в Европе употреблялась натуральная сангина минерального происхождения («красный мел»). Современная сангина – искусственная.

Особенно широко сангина была распространена в XVII–XVIII веках в рисунках с натуры и портретах (П. Рубенс, А. Ватто, Ж. Фрагонар, Ж. Шарден). Интерес к сангине сохраняется и в последующее время. Но особенно часто к ней обращались художники начала XX века. В это время складывается даже своеобразный тип портрета, где тщательно выполнены лишь голова и руки портретируемого (как правило, сидящего). Остальная фигура намечена лишь несколькими штрихами. Известны портреты работы К. Сомова, М. Добужинского, В. Шухаева, А. Яковлева.

Нередко сангину сочетают с углем или итальянским карандашом. Рисунки сангиной недолговечны, поскольку она может осыпаться с бумаги, поэтому они обязательно должны экспонироваться под стеклом.

САТИРА (лат. satira – смесь, всякая всячина) – форма комического, в которой подвергаются осмеянию отрицательные черты предметов и явлений. Отличительной особенностью сатиры является жанровое разнообразие. Она представлена и в литературе, и в изобразительном искусстве, и в музыке. Важно, что в любой форме сохраняются ее основные признаки – гиперболизация (а иногда и гротеск), подчеркнутая тенденциозность, заострение жизненных проблем.

Наибольшее распространение сатирические изображения получают в художественной графике. В живописи и скульптуре они редки и встречаются лишь в виде исключения. Например, сатирически воспринимается памятник императору Александру III работы скульптора П. Трубецкого. Статуя монарха, полная грубой, тупой силы, сразу же стала восприниматься как карикатура на режим.

Сатира в графике имеет наиболее широкое распространение и давнюю историю. Еще в период Реформации появлялись многочисленные карикатуры на служителей католической церкви, шаржированные изображения обрядов. В руках передовой части художников прошлого сатира всегда была острым орудием борьбы против несправедливости и пороков общества (например, офорты Гойи, Оноре Домье).

В русском искусстве утверждение сатирической темы связано с деятельностью передвижников. Правда, надо отметить, что основным приемом у них была беспощадная правдивость, производившая обличительный эффект.

В русском искусстве начала XX века сатира представлена политическими карикатурами, а также плакатами и отдельными произведениями. Это работы Д. Моора, В. Дени, М. Добужинского и других художников.

В последующее время развитие сатирического направления связано с именем В. Маяковского («Окна РОСТА») и жанра плаката. Общественное звучание сатиры особенно велико в советской политической карикатуре и политическом плакате (работы Кукрыниксов, Б. Ефимова и других графиков).

СВЕТОТЕНЬ – важное средство изобразительного искусства, позволяющее передать изображаемый предмет объемным, окруженным световоздушной средой. Свет организует изображение, помогая выявить свойства того или иного предмета внутри картины – отразить прозрачность стекла, блеск драгоценных камней и фактуру тканей.

К возможностям светотени прибегали уже античные живописцы. Светотень и ее теория разрабатывалась мастерами Возрождения (Леонардо да Винчи), и с этого времени светотень широко использовалась художниками как одно из средств, определяющих выразительность художественного произведения.

В XX веке свет впервые становится темой живописного произведения. Посредством тончайших градаций светотени – от наибольшей яркости до глубокой тени – художник передает не только характер освещения, объем и форму предметов, но и состояние атмосферы, частично поглощающей свет. Отсюда и взаимосвязь таких понятий, как свет, тени, полутени, рефлекс.

Примером могут служить картины Рембрандта («Портрет жены брата художника»), где с помощью света и тени передаются особенности внешности, поведения героя и даже черты его характера. На выделении резких границ светлого и темного, использовании контрастов строит свои композиции Караваджо («Юноша с лютней»).

Совершенно по-новому используют светотень импрессионисты. Они дробят белый цвет на отдельные цвета спектра и наполняют картины игрой цветных светотеней. Так, Э. Мане строит композицию картины «Завтрак на траве» на передаче игры света, в которой представлены как фигуры, так и предметы в ландшафте.

СВОД – пространственная конструкция, используемая для перекрытия какого-либо помещения или части стены. Наиболее древняя разновидность свода, появившаяся на рубеже IV–III тысячелетий до н. э., получила название цилиндрического свода, поскольку она опирается на две параллельно расположенные стены. Строители Древнего Египта широко использовали ее для перекрытия подземных ходов и галерей в различных сооружениях. От них искусство строить своды было воспринято римлянами, которые широко использовали его в самых различных постройках.

Именно в Древнем Риме на основе свода была создана и конструкция первого купола. Его строили как сочетание нескольких сводов одинаковой высоты. Римские строители впервые в истории научились выкладывать своды без раствора. Их секрет заключался в том, что камни так точно подгонялись друг к другу, что после сборки составляли цельную и прочную конструкцию.

В римской архитектуре применялись многие разновидности сводов. Но наибольшего распространения и искусства отделки достигло возведение так называемых крестовых сводов, которые и являются предшественниками христианских купольных храмов. До наших дней сохранилась базилика Константина, построенная таким образом.

В последующее время и особенно в XX веке сводчатые конструкции создаются с применением железобетона и цельносварных элементов, благодаря чему их применяют для перекрытия пролетов шириной в несколько десятков метров.

С тех пор как в строительстве начали использовать своды, были разработаны различные его конструкции, и среди них свод веерный, крестовый, полуциркульный, нервюра (франц. nervure – от латин. nervus – жила, сухожилие) – выступающее и профилированное ребро главным образом готического крестового свода, свод цилиндрический и др.