История мировой культуры - Капица Федор Сергеевич - Страница 108

Так постепенно с течением времени портал превратился в богато украшенное сооружение, состоящее из трех, четырех и более частей.

Триумфальная арка и тимпан как архитектурные детали оказали большое влияние на порталы романских и готических соборов. Порталы дворцов Ренессанса в основном возвращаются к античной форме, в то время как порталы барокко с их грандиозными размерами и богатым декором отличались пышностью и динамичностью образов.

С XI века в романской, готической и древнерусской архитектуре распространяются арочные или перспективные порталы в виде нескольких уходящих в глубину стены уступов, уменьшающихся в размерах. В углах уступов размещались колонки, соединенные архивольтами (обрамляющими дугами).

ПОРТИК – часть здания, открытая на одну или три стороны и образуемая колоннами (реже столбами) или арками, несущими перекрытие, завершается фронтоном или аттиком.

Портик играл особую роль в римской архитектуре, поскольку выполнял одновременно декоративную и практическую функцию. Благодаря пространственному комплексу портик предоставлял защиту от солнца и одновременно помогал освещению интерьера проникающим внутрь светом.

Среди портиков продолговатой формы – Эвменова галерея в Афинах, гимнасий в Пергаме, полукруглой – верхнее оформление последних рядов в театре. Сооружались также отдельно стоящие портики.

Особое значение как декоративный элемент портик получил в европейской архитектуре XVIII – первой половины XIX века (преимущественно в классицизме). Начиная с эпохи Ренессанса до XIX века использовался во внутренней и внешней отделке строений.

ПОРТРЕТ (франц. portait, от устарев. portaire – изображать) – изображение человека или группы людей в произведении живописи или скульптуры. Портрет является одним из основных жанров живописи, скульптуры, графики. Необходимое требование, предъявляемое ко всякому портрету, – передача индивидуального сходства. Для этого художник выступает в функции своеобразного рассказчика, тщательно и последовательно воспроизводя не только внешний облик портретируемого, но и его внутренний мир, сущность его характера посредством вдумчивого психологического анализа изображаемого лица.

Каждый портретируемый несет в себе как субъективно-авторскую трактовку его личности, так и черты своего времени, социальной среды. Обычно основными средствами передачи становятся деталь, цвет, фон, на котором располагается фигура портретируемого. Однако приемы воспроизведения человека формировались постепенно, поскольку и осознание его индивидуальности как предмета изображения произошло не сразу. История портрета – это практически история живописи, формирование основных принципов изображения, жанровых форм, техники письма, цветового решения.

Типология портрета также складывалась исторически и определялась в зависимости от техники исполнения, назначения, особенностей изображения персонажей. Так, различают портреты станковые (картины, бюсты, графические листы) и монументальные (фрески, мозаики, статуи), парадные и интимные, погрудные и в полный рост, анфас, в профиль.

Портреты выполняются на медалях (см. Искусство медальерное), геммах (см. Глиптика), в виде портретной миниатюры. Портрет может быть индивидуальным или изображать одновременно несколько людей (быть двойным или групповым – включать не менее трех персонажей). Специфический вид портрета – автопортрет. Существует и сатирический портрет, где негативные черты модели обуславливают появление портретной карикатуры-шаржа.

Искусство портрета зародилось несколько тысячелетий тому назад. Первые портреты были созданы египтянами. Они выполняли религиозно-магическую функцию: душа умершего должна была покинуть тело, а затем вернуться после судилища богов к мумии своего владельца и поселиться в нем навечно. В созданных величественных статуях она чувствовала себя спокойно. Необходимо было соблюдать и портретное сходство, чтобы душа могла отыскать то тело, из которого она вылетела.

Конечно, огромные величественные изваяния создавались для увековечивания облика не простых людей, а правителей – фараонов, наместников бога на земле. Одним из известных портретов того времени является портрет Нефертити (около 1360 года до н. э.). Обыкновенные люди увековечивались в виде небольших скульптур (см. Скульптура).

Традиция возвеличивания выдающихся людей была распространена и в Древней Греции, где в период классики создавались идеализированные скульптурные портреты поэтов, философов, общественных деятелей. Авторы стремились подчеркнуть круг занятий портретируемого, его общественную функцию, но не заботились о сохранении индивидуальных черт изображаемого человека (Гомер как поэт, Перикл как стратег). Портреты с ярко выраженной индивидуальностью для того времени были скорее исключением, чем правилом (портрет Фемистокла). Только в IV веке в портрете начинает отражаться вся полнота индивидуальности личности (Платон, Аристотель, Софокл, Еврипид, Александр Македонский).

В собственном смысле слова этот жанр распространился в римском изобразительном искусстве. Для римского портрета характерно с самого начала (II век до н. э.) пристальное внимание к изображению индивидуальных черт, хотя налицо и некоторое обобщение.

Средневековье стало периодом унификации личности, подчинения ее определенным правилам и нормам, что нашло отражение в создании портретов прежде всего людей общественно значимых (правителей, приближенных, донаторов). Это вовсе не означало упадка жанра; напротив, художники и здесь смогли проявить свою индивидуальность, сохранив внимание к изобразительной стороне (об этом говорит тщательная прорисовка фона, одежды портретируемых). Вместе с тем они смогли проникнуть и во внутренний мир своих героев, сделав их олицетворением определенных нравственных черт – чванства, тщеславия, гордыни. Кроме того, именно в это время начинает развиваться групповой портрет (правитель и его окружение).

В то же самое время, несмотря на следование канону, китайские средневековые мастера (особенно периода Сун, Х-ХШ вв.) создали множество ярко индивидуализированных портретов, часто подчеркивая в своих моделях именно индивидуальное начало. Особого искусства достигают мастера портретной миниатюры Средней Азии, Азербайджана, Афганистана (Камаледдин Бехзад), Ирака (Реза Аббаси), Индии.

Эстетика Возрождения определила специфику портрета: человек являлся высшим началом и центром земного бытия. Поэтому и изображение его внутреннего мира, сложных душевных переживаний, описание бытовой среды доминировали в это время. При этом реальные персонажи приравнивались к вымышленным (мифологическим). Примеры тому – живопись С. Боттичелли, статуи Донателло, медали Пизанелло.

Мастера Высокого Возрождения – Леонардо да Винчи, Рафаэль, Джорджоне, Тициан, Тинторетто – не просто создали образы современников, но отразили целый мир чувств, переживаний, настроений.

Нидерландские (Я. ван Эйк, Робер Кампен, Рогир ван дер Вейден, Лука Лейденский) и немецкие художники (А. Дюрер, Л. Кранах Старший, Х. Хольбейн Младший) развили идею соотнесенности человека с внешним миром и вписали его не только в конкретно-бытовую среду, но и в систему мироздания. При этом, как и художники Возрождения, они использовали мифологические сюжеты, вводили в свои произведения аллегорические фигуры или наделяли портретируемых условными чертами древних героев. Последняя особенность будет прежде всего развита художниками эпохи Просвещения.

Отражение внутренней идеи художественного образа стало главным для художников периода маньеризма. Драматической заостренностью изображаемых чувств отличается портрет этого времени.

Острая эмоциональность образного строя характерна и для портретов Эль Греко, ставшего продолжателем традиций Возрождения и маньеризма. Его творчество отличается резкими ракурсами и неестественно вытянутыми пропорциями, что вместе с драматизмом и скрытым динамизмом изображаемого обуславливает глубину восприятия модели. Эль Греко продолжает игру со светом, но строит свои композиции не на принципе гармонии, а на идее контраста.