Лувр - Коллектив авторов - Страница 3

«Несение креста» — фрагмент алтаря, известного как «Полиптих Орсини». Он посвящен страстям Христа и состоит из шести частей, ныне хранящихся в разных европейских музейных собраниях.

Эту работу мастера сиенской школы Симоне Мартини отличают драматизм и эмоциональный накал, которые художник привнес в традиционный сюжет. На лицах персонажей ясно читаются чувства, обуревающие ими, что было бы немыслимым для византийской манеры письма. Жесты и мимика героев патетичны и немного театральны, однако в этом находит выражение личное отношение художника к изображаемому им событию Священной истории, его сопереживание.

Живописец Раннего Возрождения, Козимо Тура был придворным художником дома д'Эсте, герцегов Феррары.

Композиция «Пиета со святыми» является частью алтаря Святого Георгия в Ферраре. Пиета — это оплакивание Христа, умершего на кресте. Непременным участником таких композиций является Богоматерь. На ее коленях распростерто бездыханное тело Сына, рядом изображены фигуры избранных святых, сопереживающих Ее горю. Здесь нет места красоте: лица всех присутствующих искажены скорбью и страданием, на лике Христа также лежит печать крестных мук. Для передачи эмоционального состояния героев художник использует язык мимики и жестов, красноречиво говорящий об их переживаниях.

Святой Себастьян — популярный образ в изобразительном искусстве, к которому обращались многие художники, живописуя жестокий эпизод его мученичества — страдание от пущенных в него стрел. Святой Себастьян в III–IV веках тайно исповедовал христианство. Узнав об этом, император Диоклетиан приговорил его к смерти. Однако раны, нанесенные святому, не стали смертельными. Жена втайне выходила его, и он, не желая бежать из Рима, предстал перед Диоклетианом чудесно спасенным. Император же вновь повелел казнить святого.

На луврской картине «Святой Себастьян» Андреа Мантеньи, живописца и гравера Раннего Возрождения, святой привязан к обломку античной колонны, нижняя часть его тела усеяна стрелами. Колонна как часть разрушенного античного храма символизирует медленно уходящий в небытие мир язычества, за который так крепко держался император и жертвой которого пал святой Себастьян. Рядом с ногами несчастного молодого мужчины сохранился мраморный фрагмент разбившейся статуи, когда-то стоявшей на этом месте и прославлявшей греко-римских богов.

«Портрет Джиневры д'Эсте» («Портрет принцессы») — произведение итальянского живописца раннего Кватроченто Антонио Пизанелло. Профиль принцессы напоминает чеканные образы, создававшиеся на памятных медалях.

Некоторыми исследователями выдвигалось предположение, что изображенная является не Джиневрой д'Эсте, а другой представительницей этого дома, урожденной Гонзаго. Однако в настоящее время считается, что портрет принадлежит все же Джиневре.

Девушка запечатлена на фоне цветов. Для современного зрителя они значат не больше, чем просто живописный «природный» фон, однако современникам художника они могли бы о многом рассказать. Каждый цветок имеет свое символическое значение и обозначает определенное явление. Включенные живописцем в «контекст» произведения, эти цветы несут тайный смысл, раскрывая историю жизни принцессы. Джиневра д'Эсте была убита своим мужем за то, что не могла иметь детей. Цветы гвоздики и колокольчики водосбора символизируют супружество и плодовитость, однако у водосбора (аквилегии) есть и иное значение — смерть. О смерти говорит также и приколотая к рукаву платья веточка можжевельника.

В «Портрете старика с внуком», личности которых остались неизвестными, Доменико Гирландайо, живописец Раннего Возрождения, представитель флорентийской школы, стремился к реалистично-правдивому изображению своих моделей. Трогателен образ маленького мальчика с выбивающимися из-под красной шапочки золотистыми кудрями, прильнувшего к деду в надежде найти то ли защиту, то ли ответ на какой-то мучающий его вопрос. Старику-деду художник не польстил. Он изобразил его некрасивое лицо без прикрас, однако обращенный к ребенку взгляд, полный любви и нежности, придает его облику одухотворенность. В открытом окне виднеется «идеальный пейзаж», характерный для живописи Ренессанса: долина с лентой реки, возвышающиеся вдали холмы и скалы. Отношения героев столь же прекрасны и гармоничны, сколь прекрасна и умиротворенна природа.

«Портрет старика с внуком» поступил в Лувр в 1886.

Картина Пьетро Перуджино, живописца эпохи Возрождения, представителя умбрийской школы, посвящена греческому мифу о музыкальном состязании сатира Марсия и бога искусств Аполлона. Сатир научился искусно играть на флейте, брошенной богиней Афиной, и, возгордившись своим совершенным исполнением, сделал вызов Аполлону. Аполлон, высочайший музыкант, не мог простить дерзкой выходки сатира, осмелившегося поспорить с ним. Играя на лире, он выиграл музыкальный поединок, а в наказание за дерзость сорвал с Марсия кожу.

Жестокое окончание этой истории не вошло в сюжет картины. Перуджино написал состязание двух музыкантов, точнее игру на флейте Марсия. Он весь погружен в музыку и не замечает своего олимпийского противника. Прекрасный Аполлон холодно взирает на сидящую фигуру сатира; его лира, стоящая у ног, ожидает момента, когда сиятельный бог извлечет из нее пленительные звуки, с которыми не в силах соперничать музыка смертных.

Рафаэль, великий итальянский живописец, график и архитектор, прожил недолгую жизнь. «Прекрасная садовница» («Мадонна с Младенцем и святым Иоанном Крестителем на фоне пейзажа») написана уже сложившимся мастером. Прелестный образ Девы Марии дышит спокойствием и умиротворением.

Фигуры юной Богоматери, Ее прекрасного Младенца и маленького Иоанна Крестителя очень органичны и словно растворяются в пейзаже. Детали ландшафта, с любовью выписанные мастером — и растения, и дальние горы, и городские стены, — притягивают внимание зрителя. Духовная и физическая красота находят воплощение в облике Богоматери, дивный лик которой светится бесконечной любовью к Сыну. В Его чистых глазах читается глубокое взаимное чувство, слитое с детской преданностью Матери.

В записях великого Леонардо да Винчи, гения Ренессанса, нет ни одного упоминания о работе над портретом. Существует много версий того, кто изображен на этом произведении. Среди прочих мнений выказывались и такие, что Мона Лиза — и автопортрет самого Леонардо, и портрет его ученика, и портрет матери или просто идеальный собирательный женский образ. Согласно «официальному» мнению, на картине изображена жена флорентийского купца Франческо дель Джокондо Лиза Герардини.