Мастера исторической живописи - Дятлева Галина - Страница 11

Среди полотен, написанных во Франции, наиболее удачными считаются «Время спасает Истину от Зависти и Раздора» (1642, Музей, Лилль) и «Чудо св. Франциска Ксаверия» (1642, Лувр, Париж).

Последующие композиции Пуссена уже выполнены в стиле классицизма. Одной из наиболее интересных работ считается «Великодушие Сципиона» (1643, ГМИИ, Москва). В ее основу легла легенда о римском военачальнике, завоевателе Карфагена Сципионе Африканском, который по праву победителя получил в собственность пленную девушку Лукрецию. Однако он совершает благородный поступок, который поражает не только его приближенных, но и побежденных карфагенян, – римлянин, хоть и любит прекрасную пленницу, возвращает ее жениху.

Мастер разместил фигуры на полотне в один ряд, как на античном рельефе. Благодаря этому можно разглядеть позу, жест и выражение лица каждого участника этого события – Сципиона, сидящего на троне, жениха, почтительно склонившегося перед ним, стоящей между ними Лукреции и др.

В конце жизни Пуссен увлекся новыми жанрами – пейзажем и портретом («Пейзаж с Полифемом», 1649, Эрмитаж, Санкт-Петербург; «Пейзаж с Геркулесом», 1649, ГМИИ, Москва; «Автопортрет», 1650, Лувр, Париж).

Пейзаж так увлек художника, что он внес его элементы в очередную историческую картину – «Похороны Фокиона», 1648, Лувр, Париж). Герой Фокион был несправедливо казнен своими согражданами. Его останки запретили хоронить на родине.

На картине Пуссен изобразил слуг, выносящих на носилках тело Фокиона из города.

В этой работе впервые появляется противопоставление героя окружающей его природе – несмотря на его смерть, жизнь продолжается, по дороге медленно движется повозка, запряженная волами, скачет всадник, пастух пасет стадо.

Последней работой художника стала серия пейзажей под общим названием «Времена года». Наиболее интересны полотна «Весна» и «Зима». На первой Пуссен изобразил Адама и Еву в цветущем раю, на второй – Всемирный потоп.

Картина «Зима» стала его последней работой. Осенью Никола Пуссен умер. Его творчество оказало значительное влияние на итальянских и французских художников второй половины XVII и XVIII века.

В XVII веке Испания, в отличие от таких европейских стран, как Голландия и Англия, являлась отсталым и реакционным государством.

Католическая церковь все еще сохраняла свое влияние на искусство. Испанские художники продолжали писать картины, в основе которых лежали религиозные сюжеты, хотя некоторые из них, как, например, Сурбаран, обращались в отдельных работах к исторической тематике. И, тем не менее, именно испанский мастер – Диего Веласкес, создав свое знаменитое полотно «Осада Бреды», – сделал важный шаг на пути развития исторического жанра.

Франсиско Сурбаран

(1598–1664)

Сохранившийся до наших дней цикл из десяти картин, посвященных подвигам Геракла (1634, Прадо, Мадрид), вызывал множество споров. Искусствоведы сомневались, что работы выполнены Сурбараном, несмотря на его характерную манеру. И только недавно, при очередном подробном изучении картин, на них были обнаружены подписи Сурбарана, благодаря которым теперь его авторство не вызывает сомнений.

Испанский художник Франсиско Сурбаран родился в Фуэнте де Кантос, в провинции Бадахос, Эстремадура. Его отец был небогатым торговцем. Заметив склонность мальчика к рисованию, он привез его в Севилью и отдал в мастерскую П. де Вильянуэве, который занимался раскрашиванием деревянных статуй.

Франсиско обучался в мастерской художника два года. Когда ему исполнилось восемнадцать лет, он покинул своего первого учителя и, по некоторым сведениям, посещал мастерскую Х. де Роэласа и Ф. Пачеко. Живя в Севилье, Франсиско общался и даже выполнял совместные работы с Эррерой Старшим, а также дружил с Веласкесом.

О жизни Сурбарана сохранилось не так много сведений. Известно, что он никогда не покидал Испании. В 1617 году, в девятнадцать лет, Сурбаран обосновался в небольшом поселении Льерене, в области Эстремадура, где прожил одиннадцать лет.

Сурбаран получал много заказов от монастырей на создание полотен религиозной тематики. Сам он наиболее часто изображал сцены из жизни монахов, которых впоследствии канонизировали как святых. Некоторым из них он посвящал циклы картин, на которых показывал наиболее важные факты из их биографии.

В 20-х годах XVII века Сурбаран получал заказы от доминиканского ордена, в частности, в 1626 году он выполнил картину для монастыря Сан-Пабло в Севилье, затем «Апофеоз св. Фомы Аквинского» для Главной коллегии Св. Фомы Аквинского в Севилье (1631, Музей изящных искусств, Севилья).

В то же время в 1628–1630 годах художник выполнял заказ для ордена обутых мерседариев. Он создал цикл из шести полотен, посвященных св. Петру Ноласко («Видение св. Петру Ноласко небесного Иерусалима», «Видение св. Петру Ноласко распятого апостола Петра», обе – в Прадо, Мадрид).

Расцвет творческой деятельности художника пришелся на 30–40-е годы XVII столетия. Сурбаран отказался от мистицизма, присущего его ранним работам, и стал изображать своих героев с максимальным реализмом.

Именно тогда он, приехав в Севилью, вместе с Эррерой Старшим создал по заказу францисканцев очередной цикл, посвященный жизни монаха Бонавентуры, которого после смерти церковь признала святым.

Несмотря на то что эти картины были заказаны церковью и изображали факты из жизни святого, их более уместно считать не религиозными, а историческими, так как художник изображал монастырскую обстановку и живших там в действительности людей.

Всех персонажей своих полотен Сурбаран писал с натуры. Что касается монастырской обстановки, то он изображал ее по возможности упрощенно, лаконично, с наименьшим количеством деталей. Герои картин, например св. Бонавентура, предстают рассудительными и умиротворенными. При взгляде на эти лица зритель ощущает их веру и духовную силу.

Композиции спокойны, просты и уравновешенны. Крупные фигуры мастер обычно размещал так, что казалось, будто они находятся параллельно плоскости полотна.

В то же время Сурбаран изображал как бы проход в глубь картины в виде коридора, двери или окна, причем он не всегда правильно сочетался с передним планом, то есть были нарушены правила перспективы. Но, несмотря на это, в целом полотно выглядело гармоничным. Большинство картин выполнены в коричнево-черных и серебристо-серых тонах. Для усиления эффекта мастер использовал яркий, насыщенный красный цвет.

Работы «Св. Бонавентура на Лионском соборе» и «Смерть св. Бонавентуры» по способу художественного выражения кажутся слишком упрощенными, фигуры расположены в пространстве условно и выглядят застывшими. Кроме того, все персонажи имеют одинаковые размеры, независимо от того, находятся они на переднем плане или в перспективе.

Самыми удачными из всего цикла являются полотна «Молитва св. Бонавентуры» (Картинная галерея, Дрезден) и «Посещение св. Бонавентуры Фомой Аквинским» (находилась в музее в Берлине, не сохранилась).

Несмотря на то что художник работал над этим заказом не один, четыре картины, в том числе «Молитва св. Бонавентуры», были от начала и до конца выполнены самим Сурбараном.

На последней мастер показал монаха в серо-зеленой рясе, находящегося в своей келье. Он стоит на коленях и читает молитву перед назначением Папы. Руками Бонавентура облокачивается на стол, на котором помещается папский головной убор с тремя венцами, обозначающими три степени власти. Вдруг появляется ангел и сообщает Бонавентуре имя будущего Папы.